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“La forma del agua” (Mathías Dávalos)

Donde viven los monstruos

En su décima película, Guillermo del Toro vuelve a representar una visión fuertemente personal e idílica. Una fábula marcada por lo fantástico, el suspenso, la ciencia ficción y la crítica social, elementos que ha cultivado en su filmografía y que a su vez se apoyan sobre diversas influencias artísticas que van desde el arte surrealista de las primeras décadas del siglo XX hasta el de las historietas.

Entre el tributo al paradigma cinematográfico de Hollywood de pos Segunda Guerra Mundial como escaparate de fantasía de masas ante la realidad de la Guerra Fría, clásicos musicales protagonizados por Fred Astaire (Sigamos la flota, 1936; Boda real, 1951) y uno de sus films más admirados (El monstruo de la Laguna Negra, Jack Arnold, 1954), Del Toro narra una historia de amor entre Elisa, una limpiadora muda, y una criatura entre humanoide y anfibio, cautivo en un laboratorio tras ser capturado por el ejército estadounidense en la selva de Sudamérica, donde era respetado como un Dios y con un nuevo destino como arma de guerra descartable.

Como en su celebrada El laberinto del fauno (2006), el director mexicano confronta los conceptos del bien y del mal tanto en la superficie audiovisual como en las emociones de los personajes. En este caso, el resultado es desparejo. La creación de este escenario de fábula con la omnipresencia del agua, apoyada en la permisiva música de Alexandre Desplat y en la fotografía marcada por tonalidades del azul y del verde del sueco Dan Laustsen, es recreativa e impulsa el film cuando el guion de Del Toro y Vanessa Taylor se estanca entre clichés y falta de novedad ante la linealidad de la trama (algo en que se apoyan célebres fábulas clásicas como el caso de La bella y la bestia, evidente influencia de este film).

Entre los méritos de La forma del agua está la conformación de su elenco. La actriz Sally Hawkins, en el rol de Elisa Esposito, manifiesta su talento al interpretar a una mujer solitaria, soñadora y expresiva mediante el lenguaje de señas y su mirada, entre la atención y la desatención en un silencio sugestivo como provocador. Su performance es el alma del film, mientras Del Toro la rodea con personajes que proponen una denuncia social desde la ciudad de Baltimore a comienzos de los años sesenta. Su compañera en la limpieza del laboratorio es Zelda (Octavia Spencer), mujer negra y obesa, subestimada por su esposo y discriminada por el coronel Strickland (Michael Shannon), villano del film y carcelero de la criatura. En los parlamentos entre Zelda y Strickland es donde Del Toro desarrolla con mayor mérito el tema de la intolerancia. Zelda, intérprete de Elisa en el laboratorio ante el resto de los empleados, es a quien suele preferir el racista y perverso Strickland en sus ofensas que van desde el mito de Sansón hasta las críticas a los movimientos por los derechos civiles de los afroamericanos. Otro personaje en conflicto por su incomunicación es Giles (Richard Hawkins), un veterano ilustrador homosexual en busca de trabajo en el rubro de la publicidad.

Lo que resulta en estas interrelaciones entre los personajes secundarios es lo que falta en el vínculo central, entre la criatura y Elisa. Una historia de amor entre dos seres diferentes unidos por los sentimientos y el instinto, donde el guion toma varios atajos posibles en las resoluciones, abordando el factor del sexo y la simpleza en la tarea de rescate de la criatura en un laboratorio militar de alta seguridad, excepto en una escena que conecta con sutileza y encanto la tensión entre lo fantástico y lo real que posiblemente ha perseguido Del Toro desde su ópera prima Cronos (1993). Un musical, aquí momento de escape válido desde su condición poética y humana, en blanco y negro, sin verdes y azules de la fotografía y sin agua como en gran parte del metraje. Elisa domina la pista, canta, sonríe embelesada ante su amante, un inmejorable partenaire.

Pero a pesar de la riqueza de recursos cinematográficos de un director con evidente talento y gracia, en su nueva película radica un problema que responde a uno de sus célebres enunciados que define su obra desde su origen. Una “fascinación antropológica” por los monstruos. Según el autor: “Los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan”. En La forma del agua esta inquietud no se cumple.

La forma del agua” (The Shape of Water) Dirección: Guillermo del Toro. Guion: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor. Fotografía: Dan Laustsen. Música: Alexandre Desplat. Elenco: Sally Hawkins, Michael Shannon, Doug Jones, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg. 123 minutos. 2017.

Mathías Dávalos (18/02/2018)

21° Festival internacional de cine de Punta del Este

Días dos y tres

El lunes continuó el Festival con varias exhibiciones presentadas por sus directores e incluso con el arranque del ciclo FilmMusic Fest, el espacio musical del FICPE.

En Sala Cantegril, a las cinco de la tarde y con buena asistencia de público se presentó la última película del director chileno Silvio Caiozzi, Y de pronto el amanecer. Un filme extenso, dura tres horas y cuarto, donde se cuenta la historia de un escritor y sus vivencias en el pueblito de Chiloé, durante varios años; incluyendo la dictadura militar.

La película, contada con voz en off, ya que trata de un libro que se va escribiendo al mismo momento que vemos las imágenes, se excede en lo que se sobreentiende. Hay una acentuación de lo oido con lo que se ve, tornando un poco tediosa la sobreexplicación. De todas formas Caiozzi le da un vuelo poético gracias a su fotografía y a la música, compuesta por su hija Valentina en base a la obra anterior de Luis Advis. Las composiciones de los personajes son muy buenas, y las actuaciones logran una emotividad que ayuda al relato. El filme se alarga un poco, con su metraje de 195 minutos, y deja la sensación de poder haber sido más efectiva con menos minutos de duración.

Este filme abrió las funciones de Sala Cantegril, que continuaron con Ausencia y cerraron con Vinicius, documental que inaugura el Filmusic Fest.

Mientras tanto en Casa de la cultura de Maldonado, se exhibía Violeta al fin, seguido por una mesa redonda sobre el Festival de Viña del mar y finalizando con Las dos Irenes, del brasileño Fabio Meira, quien presentó su filme y luego se quedó a recibir los comentarios provocados por su debút.

El filme es una pequeña gran obra sobre una niña llamada Irene, que descubre que su padre tiene otra familia con una hija de su edad, que lleva su mismo nombre. Allí va tejiendo un plan que la lleva a hacerse amiga de la otra Irene y tratar de identificar porqué su padre vive también con esta familia. El trabajo con las actrices es excelente y la película se mueve con una sutileza que pocos directores han logrado, la fotografía tiene grandes momentos y Las dos Irenes nos trae a un director debutante sin miedo a enfrentarse a temas difíciles.

En cuanto al Martes 20, en Sala Cantegril se vieron tres filmes de variadas procedencias. Desde Venezuela llegó Tamara, dirigida por Elia Schneider, que tuvo presentación a cargo de ella y su marido, el productor uruguayo José Ramón Novoa. En un discurso teñido por el dolor de ver al país en el que viven, según ellos ya como una dictadura, dieron paso a su filme; en él se cuenta la historia de Tamara Adrián (en el filme Tamara Almanza), la primera diputada transgenero de latinoamérica. El filme cuenta la indecisión del personaje en tomar la posición definitiva que lo llevaría a ser quien es hoy, es de entender que ese conflicto no era nada fácil, cambiaría toda su vida (literalmente), no sólo su cuerpo. Es en esa ambiguedad del personaje que se va manejando bien el filme, las consultas con la psicóloga son los momentos mejor logrados; lamentablemente – si bien la actuación de Luis Fernández es muy compleja – el personaje no termina de empatizar con el público, quizás -justamente- por esas idas y vueltas, pero sobretodo por no establecer una buena conexión con su entorno. En la secuencia en la que Teo (aún no Tamara) le dice a su esposa que está tomando en cuenta la posibilidad de ser mujer, no había ningún antecedente en su relación con ella que indicara que esa era su preocupación, si la notamos como espectadores, sobretodo por como está contado el relato; pero no así su familia, por lo que es entendible la reacción de su esposa. Lo mismo sucede con su novia posterior, si bien ella tiene todas las armas para poder intuir su decisión, no hay una comunicación clara de él hacia ella. Es allí quizás donde el guión no completa su romance con el espectador, posiblemente fuera buscado así, pero no logra comunicarse muy bien. El filme es una biopic, por lo que el centro está en su personaje principal y podemos sufrir con él sus cambios, sus frustraciones y la maldad del entorno ante alguien que consideran diferente. Tamara es un filme atendible, realizado en el momento en que esta discusión se está tomando, pero que -lamentablemente- no termina de emocionar, no nos permite acercarnos por completo al personaje. De más está decir que por las características del relato, era una tarea muy ardua de antemano y que frente a eso, es muy valiente por parte de Schneider haber asumido el reto. De todas formas no es una película que pase desapercibida en ningún lugar donde se exhiba, es el filme necesario para continuar con una discusión que no muchos quieren siquiera iniciar.

Luego fue el turno de la coproducción argentino-española El último traje de Pablo Solarz, presentado por el actor Miguel Ángel Solá y la productora Vanessa Ragone. Cuenta la historia de Abraham Bursztein, un anciano judío de 88 años; que decide escapar de su país hacia su Polonia natal, cuando ve que sus hijas lo quieren internar en un geriátrico. Es en ese momento que quiere cumplir con una vieja promesa y va en búsqueda de un amigo que le salvó su vida en 1945, cuando huyó de los nazis. En esa travesía se encuentro con un argentino, una española y una alemana que lo ayudarán a concretarla, a pesar de su negación a cualquier ayuda. Una tragicomedia muy interesante, construída con grandeza desde la enorme actuación de Miguel Ángel Solá, el filme funciona y cumple con lo que busca, emocionar y hacernos reir con un personaje entrañable, que también tiene un crecimiento en su personalidad a pesar de su edad. Si bien no aporta nada nuevo al cine, esto no implica que no se pueda disfrutar de ella.

Por último el cierre fue con Charco: Canciones del Río de la Plata de Julián Chalde, en el marco del Filmusic Fest, versión final del corte que se había visto en Sala Zitarrosa el año pasado. Un gran documental en el que se demuestra que no hay fronteras definidas en las canciones uruguayas y argentinas, todo proviene de una misma raíz, pero aún así uno puede identificarlas. Un excelente trabajo de edición e investigación, que nos trae un recorrido realizado por el músico Pablo Dacal por Argentina y Montevideo, en búsqueda de las respuestas a esta relación entre las canciones de ambas partes del Plata. Una colección de interpretes a cada quien mejor que el anterior, donde pasan nombres argentinos como Fito Páez, Gustavo Santaolalla, Daniel Melingo, Onda Vaga, Palo Pandolfo, Jorge Serrano (de Auténticos Decadentes), Pablo Lescano de Damas gratis y los uruguayos Fernando Cabrera, Ana Prada, Hugo Fatorusso, Martín Buscaglia, Juan Campodónico, el Bocha Benavides, Mandrake Wolf y Eduardo Daluz, entre otros.

El gran mérito del director no está solo en los grandes nombres que aparecen (hay muchas ausencias, como es obvio en estos casos) sino en lograr borrar realmente las fronteras, a tal punto que cuando se mezclan imágenes de la ciudad, llegue un momento en que no podemos identificar cual es cual.

Un buen cierre de jornada, con muy buena música y buen cine documental.

Para hoy, día lluvioso e ideal para ver cine, tenemos estas opciones:

En Sala Cantegril, a las 17:00 hs. Matar a Jesús, filme Colombiano de Laura Mora, a las 18:45 hs. Averno desde Bolivia, de Marcos Loayza, a las 20:25 hs. Bio de Carlos Gerbase y a las 22:15, el Filmusic Fest nos trae Ábalos: Una historia de cinco hermanos de Josefina Zavalía Ábalos.

En la Casa de la Cultura de Maldonado, a las 19:30 hs. se exhibe Ata tu arado a una estrella de Carmen Guarini, a las 21:30 hs. Todo el año es Navidad de Néstro Frenkel, en su estreno mundial.

Finalmente, en el Centro Cultural Maldonado Nuevo, desde las 20:00 hs. podremos apreciar Manuela, filme cubano de1966, dirigido por Humberto Solás y a las 21:00 horas Niñas araña del chileno Guillermo Helo.

A seguir disfrutando de buen cine, que aún nos quedan algunos días de Festival.

Sergio Moreira (21/02/2018)

“The Post: Los oscuros secretos del Pentágono” (Andrés Caro Berta)

Trompada contra Trump

Los demócratas (Hollywood lo es en su gran mayoría) atacan de nuevo. Y lo hacen por lo grande. A través del cine, sabiendo que con buen director, y excelentes actores, sumado a un fluido guión (hecho por Liz Hannah y Josh Singer) sobre un hecho concreto, real, pueden insuflar a la gente para que cuestione una vez más a un Presidente, en este caso, Donald Trump.

La jugada no es inocente, es un acto político con todas las letras

Ocurre que desde que Trump comenzó su presidencia, ha atacado a la prensa, y en especial a los grandes periódicos acusándolos de noticias falsas. Se ha burlado de ellos, ha prohibido el acceso de sus periodistas (la escena final con un Nixon dando órdenes de que no ingrese a la Casa Blanca nadie del Post es una clara burla a este hecho) y ha acusado a través de sus twitters al Washington Post (como a otros) de las cosas peores que se pueda imaginar, en un lenguaje soez, además.

Entonces, aparece esta película. En un momento muy delicado de su carrera, donde se puede llegar a impeachment. Y le da tremenda cachetada al gobernante, donde más le duele. Contraataca con argumentos, saca paralelos con lo que ocurrió con la guerra de Vietnam y las mentiras que se sostuvieron por demasiado tiempo ocultas a los norteamericanos (que la guerra estaba perdida para Estados Unidos pero se decía lo contrario) y la situación actual de la Nación.

Así, reivindica el valor de la prensa libre, apoyada por las autoridades de la Justicia, y hace frente a Donald que pretende silenciarla.

La prensa debería servir a los gobernados y no a los gobernantes”

Cerca del final, cuando una de las periodistas recibe el dictamen de la Corte Suprema sobre el diferendo de publicar material secreto, le transmiten la opinión del Juez Black: “Los Padres Fundadores dieron a la prensa libre la protección que debe tener para cumplir su papel esencial en nuestra democracia. La prensa debería servir a los gobernados, no a los Gobernantes”, esto dicho con varias pausas, música de circunstancia, cámara moviéndose hacia el rostro de la periodista que dice “gracias” y se emociona. (Y el espectador, también)

Cine político de calidad

Excelente película política, donde se puede observar todo lo previo. Nada es blanco o negro. El propio diario es capitalista. Ingresa en la Bolsa de Valores, hay banqueros que se benefician o no según funcione el Post, la dueña, apenas viuda del anterior propietario, no las tiene todas consigo, es mujer, en un mundo machista, entró en el directorio por el suicidio de su esposo, y no por sus credenciales, el editor debe luchar con sus consultores, los abogados amenazan que todos pueden ir presos si publican esos archivos, quien valientemente fotocopió miles de hojas puede ir encarcelado durante todo el resto de su vida… En fin… Todo llevado de la mano brillante de un Steve Spielberg que sabe muy bien de los tiempos cinematográficos y de cómo emocionar a los espectadores.

Y como decía anteriormente, las comparaciones permanentes con la política norteamericana actual.

Si bien no hay una guerra como la de Vietnam, sí se dan paralelos que pegan una y otra vez contra la cabeza de Trump y su grupo.

La sombra de Watergate

La referencia a Todos los hombres del Presidente es inevitable. Y ahí también hay paralelos, porque la escena final de The Post es un mensaje clarísimo a los políticos. La historia vuelve a repetirse.

El filme, como escena final, termina con el ingreso de un vigilante policial nocturno al edificio Watergate que ante lo que ve llama al 911, para denunciar que algo no está bien ahí.

Se sabe luego lo que pasó. Nixon cayó, tuvo que renunciar.

¿Trump lo hará? ¿Tirará la toalla? Es un peso pesado. No será fácil… Pero…

Los actores, el director, guionistas, técnicos

Meryl Streep, una vez más, está excelente interpretando a Katharine Graham, dueña del Post (quien murió en 2001); Tom Hanks sale de su acartonamiento y resulta un convincente Ben Bradlee (el editor, fallecido en 2014)

Entre los papeles secundarios se destacan muchos. Quizás merecía más protagonismo un excelente Michael Stuhlbarg, interpretando a Abe Rosenthal, director ejecutivo de New York Times.

La música de John Williams es perfectamente adecuada a la temática.

¿Y qué decir de Spielberg…?

Andrés Caro Berta (15/02/2018)

21° Festival internacional de cine de Punta del Este

Día Uno

El festival más antiguo del continente comenzó anoche con la exhibición del filme Joao, el maestro de Mauro Lima.

Desde antes de ver el filme se disfrutó de la inauguración del evento, con un gran grupo vocal que invitaba a quedarse a ver todo su show, que recorrió desde canciones de Abba, a una genial versión de “I Will Always Love You” de Whitney Houston y hasta Bandana y su Maldita noche; nada faltó. Este grupo oriundo de Maldonado, llamado Compás 15, presentó un pequeño show sin fisuras y que alienta, a quien lo ve, a seguirlo.

Nuevamente la alfombra roja esperaba a las estrellas del Festival y a quien se le ocurriera pasar sobre ella, a la hora señalada comenzó la presentación, y con ella el desfile de personalidades políticas y los homenajes (merecidos) a Silvio Caiozzi y a la familia Barreto, responsables de gran parte de la historia cinematográfica de Brasil (como olvidar a Doña Flor y sus dos maridos).

Luego de ello, se exhibió la última producción de los Barreto, sobre la vida del músico João Carlos Martins, quien obsesionado por el piano termina perdiendo la capacidad de tocarlo, algo que subsanó con inteligencia, para seguir viviendo de la música.

El filme es una biopic (película biográfica) muy bien narrada, con un cuidado guión, una excelente edición y un increíble casting, donde los actores que interpretan al pianista son muy parecidos entre si y guardan una coherencia estética muy poco lograda en otros filmes de este subgénero.

La música es excelente y mereció apreciarse de otra forma, el Cine Cantegril carece de las características técnicas para poder disfrutar del sonido de un filme así, no hay 5.1 y esto es esencial para el gozo de las escenas musicales (que son las mayorías en el filme), esto sumado a unos diez minutos en los que una luz detrás de la pantalla permanecía prendida, fue casi fatal para el filme que, de todas formas, sobrepasó los inconvenientes y terminó sinceramente ovacionado por el público.

Indudablemente los Barreto saben hacer buen cine, un cine que sabe contar historias y lo hace de manera formal. Un rodaje que reunió a Brasil con Uruguay, que contó con actores locales como Roberto Suárez y Néstor Guzzini, dentro de los más conocidos y que aprovecha locaciones uruguayas como el puerto de Montevideo o los estudios Sondor.

Un filme que esperemos que llegue a Montevideo, ya que es una gran muestra de buen cine biográfico y de buen cine a secas.

Para el día de hoy hay varias opciones:

En Sala Cantegril se verá a las 17:00 horas, el filme Y de pronto el amanecer del director chileno Silvio Caiozzi, seguido por Ausencia de Claudio Marcone, también chileno y culmina con Vinicius de Miguel Faria Jr., abriendo la sección Filmusic Fest.

También se podrán ver películas en Casa de la Cultura de Maldonado desde las 18 horas, con Violeta al fin de Hilda Hidalgo, desde Costa Rica, a las 19:00 horas una mesa redonda sobre el cincuentenario del Festival de Viña del mar y a las 20:30 horas se exhibirá Las dos Irenes, filme brasileño de Fabio Meira, presentado por su director.

Por último en el Centro Cultural Maldonado Nuevo, estará Leonardo Sbaraglia presentando El otro hermano de Adrián Caetano, que lo tiene a él junto a nuestro Daniel Hendler.

El festival ya se puso en marcha… ¡A disfrutarlo!

Sergio Moreira (19/02/2018)

“Ha vuelto” (Andrés Carto Berta)

El retorno (incómodo) de Hitler

A través de la plataforma Netflix apareció una película alemana de 2015 que resulta asombrosa, por lo irreverente, transgresora y de un mensaje absolutamente ambiguo en relación a la figura de Hitler.

Ha vuelto (en alemán Er ist wieder da, que traducido sería MIRA QUIÉN ESTÁ DETRÁS) se basa libremente en la novela de TImur Vermes que lleva ese nombre, y que resultó un libro de los más vendidos en su momento.

La película, también, resultó primera en la taquilla de los cines alemanes y fue nominada a los Oscar como producto germano, aunque no pasó (obviamente) la censura hollywoodeana.

Dirigida por David Wnendt (prestigioso guionista y director) cuenta una historia que da para reflexionar, manejando el filme como un falso documental, aunque la mayoría de las imágenes con alemanes que se encuentran con “Hitler” son reales, lo que le da al producto un viso preocupante de realidad, ya que las respuestas que se escuchan distan de defenestrar a este personaje.

LA HISTORIA

Adolf Hitler, un 23 de octubre de 2014 se despierta (luego se comprobará que de forma inexplicable fue transportado en el tiempo hasta ese año, desde las mismas entrañas de su bunker)

Vuelto a la vida, después de 70 años, sorprendido, en los primeros momentos no entiende mucho lo que está pasando. El mundo ha cambiado.

En su recorrido por Berlin, angustiado, llega a un kiosko donde encuentra protección del diariero, que lo toma para la broma, y allí comienza a leer en los periódicos lo que sucede en el mundo de hoy.

Un pobre empleado que expulsan de un canal de televisión filma sin darse cuenta ese renacimiento, y lo protege pensando en que ese imitador del führer lo devolverá el empleo perdido.

Juntos recorren gran parte de Alemania, donde Hitler conversa con mucha gente (esa parte es documental) y se nota en todos ellos una admiración por su figura.

Ese director de cine frustrado, Sawatzki, lleva a Adolfo al canal y ahí, la directora comienza a introducirlo en cuanto programa hay, primero como un objeto de burla, pero a medida que Hitler comienza a hablar, cada vez logra más adeptos.

Si bien la imagen de él matando un perro que le muerde un dedo, genera repulsa en los alemanes, eso no dificulta que siga creciendo su prestigio.

Finalmente escribe un nuevo libro que es un éxito de ventas, y eso lleva a que se filme una película donde él es protagonista.

La película termina con el Führer triunfante, recorriendo las calles alemanas y preparando su nuevo asalto.

Previamente es atacado por algunos neonazis que creen que es un actor, mientras una vieja es la única que se da cuenta que ese personaje es el real.

Ella y Sawatzki, quien intenta pararlo y termina internado en el manicomio.

El tema judío apenas se toca en pocos minutos y de pasada, y lo que abunda en la película es la relación que establece Hitler con la gente en la calle, con quienes dialoga (esto es improvisado), escucha, cuestiona a los políticos actuales, acusa, promete y exige.

El actor ítalo alemán Oliver Masucci asume la caracterización de este hombre, y si bien su parecido no es mucho, a través del metraje se va mimetizando y terminamos reconociendo a Hitler en él.

¿Cuál es el fin de esta película? No lo sé. Me resulta ambiguo, preocupante. Por un lado, no deja de ser una comedia (o al menos así se nos presenta), pero por el otro, las frases son contundentes, atraen, cuestionan, traen al presente sus pensamientos, les da valor.

También muestra como un experimento vivencial, cómo sus ideas están presentes en la población alemana, muy lejos de lo que se nos quiere mostrar, y marca, de ser así, que todo está pronto para el renacer del nazismo.

Esto señalado en las entrevistas en la calle, filmadas con “Hitler”, y por otro por la buena recepción que tuvo este filme en la taquilla (Primera en Alemania, catapultada como muestra oficial para el Oscar de ese año)

Ha vuelto es una intensa película, que cuestiona la realidad, y se coloca en una posición ambigua frente a esta problemática política actual.


Mucha gente se va a enojar con ella, pero también otros la tomarán como un punto de partida para el retorno…

La dirección es de David Wnendt, quien hizo el guión junto a Mizzi Meyere, basado en la novela de Timur Vermes.

El elenco es muy bueno, y están como protagonistas, Oliver Masucci, Fabian Busch, Christoph Maria Herbst, Katja Riemann, Franziska Wulf, Lars Rudolph, Michael Kessler, Michael Ostrowski, Gudrun Ritter, Christoph Zrenner

Andrés Caro Berta (Diario Cambio, 17/02/2018)

“The Post: Los oscuros secretos del Pentágono” (Hugo Acevedo)

Las intrigas del poder

La mentira, la intriga, el ocultamiento y el intento de conculcación de la libertad de un sistema de aviesas implicancias autoritarias son los ejes temáticos de The Post: Los oscuros secretos del Pentágono, el desafiante film del ya mítico realizador norteamericano Stevel Spielberg.

Esta película nominada al Oscar 2018, recrea uno de los casos más célebres de denuncia periodística en los Estados Unidos de la década del setenta del siglo pasado, que enfrentó a un diario con el gobierno encabezado por Richard Nixon, quien en 1974 renunció a la alta magistratura a raíz del escándalo de Watergate.

Combinando el thriller con la intriga política, esta película desnuda una de las maquinarias más perversas de poder y de dominación de la opinión pública mediante la mentira.

En este caso, el objeto de ocultamiento es la sangrienta Guerra de Vietnam, que devino, en 1975, en la primera y más humillante derrota militar de los Estados Unidos.

Se trata, obviamente, de la reconstrucción de uno de los hitos fundamentales de la historia del siglo XX, que es exhumado por uno de los cineasta más talentosos y versátiles del presente.

Parece redundante referirse a la extensa carrera de Steven Spielberg, que, en el curso de más de cuatro décadas de creación artística, ha brillado con luz propia en el género de aventuras, en ciencia ficción, en el cine histórico y en el drama.

Más allá de eventuales controversias, Spielberg se ha desempeñado con idéntica solvencia en producciones destinadas únicamente al pasatiempo y en productos de alto valor testimonial, como la inconmensurable La lista de Schindler (1993) o el estupendo film bélico Rescatando al soldado Ryan (1998), entre otros.

En esta oportunidad, el creador aborda un tema de alto impacto que se inspira en la realidad, con su habitual sapiencia para la construcción narrativa y para la dirección de actores.

El núcleo del relato es el enfrentamiento entre el gobierno de Richard Nixon y el diario The Washington Post, a raíz de la publicación de documentos desclasificados que denuncian las mentiras de varias administraciones norteamericanas con respecto a la Guerra de Vietnam.

Si bien el material fue inicialmente difundido por The New York Times, el film se centra en la odisea judicial del Post, que defendió ante los estrados judiciales su legítimo derecho a informar.

En ese contexto, los protagonistas de esta película son Kay Graham (Meryl Streep), directora del rotativo, y Ben Bradlee (Tom Hank), quien encarna al editor de un periódico que estremeció las estructuras de poder del imperio.

Ambos, junto a su equipo de colaboradores, se transforman a la sazón en los abanderados de la libertad de prensa y en protagonistas de uno de los mayores desafíos al poder de la historia del siglo pasado.

Si bien el relato tiene un abordaje si se quiere algo maniqueo, igualmente deviene en testimonio sobre los sórdidos engranajes de un estado decidido a imponer su visión sobre la realidad y a silenciar eventuales voces disidentes.

No en vano este enfrentamiento transcurre durante la presidencia de Richard Nixon, uno de los mandatarios estadounidenses más conservadores y rabiosamente derechistas de todos los tiempos.

Incluso, su propia renuncia en 1974 a raíz del escándalo de espionaje político conocido como Caso Watergate, corrobora el abusivo ejercicio del poder que caracterizó a sus dos mandatos.

Más allá de meros ejercicios éticos, la película confirma la intrínseca relación que siempre ha existido entre algunos medios de prensa y el poder político.

Empero, valora los encomiables principios de un equipo de periodistas encabezados por la propia directora del diario, que no cedieron a las presiones del Pentágono y siguieron adelante con su campaña de denuncias.

En este largometraje, la referencia al conflicto bélico se limita a los primeros minutos de la narración, que transcurren naturalmente en el campo de batalla y dan cuenta de cómo los corresponsales de guerra se las ingeniaban para informar en condiciones particularmente adversas.

Por el contrario, el meollo de esta historia real es la batalla política y judicial entre la verdad y la mentira, con la espada de Damocles de la censura pendiendo sobre el renegado diario.

El film, que recrea naturalmente la historia real, corrobora la existencia de serias limitaciones a la libertad de prensa en un presunto estado de derecho, lo cual pone en tela de juicio el concepto mismo de democracia.

Steven Spielberg administra con superlativa sabiduría la tensión de esta crucial confrontación, entre una suerte de estado gendarme y un diario, en una época de auge de los medios impresos.

En ese contexto, el film recupera la memoria de uno de los hitos más oscuros de la historia de la potencia imperial, que no satisfecha con sembrar el terror con sus bombardeos en Vietnam también manipuló perversamente a la opinión pública de su país.

Aunque está lejos de ser uno de los mejores títulos de la extensa filmografía de Spielberg, The Post: Los oscuros secretos del pentágono es una película valiente, osada y aleccionadora.

La actuación de la pareja central integrada por los talentosos y galardonados Meryl Streep y Tom Hanks coadyuva también a transformar a esta producción en una propuesta de alto valor cinematográfico, acorde con la brillante filmografía de su autor.

En el epílogo, no pasa inadvertida una poco subliminal referencia al escáldalo de Watergate, del cual también fue protagonista el diario de marras.

The Post: Los oscuros secretos del Pentágono” Estados Unidos 2017. Dirección: Steven Spielberg. Guión: Liz Hannah y Josh Singer. Fotografía: Janusz Kaminski. Música: John Williams Edición: Sarah Broshar y Michael Kahn. Reparto: Tom Hanks, Meryl Streep, Bob Odenkirk, Bruce Greenwood, Tracy Letts, Alison Brie, Carrie Coon, Jesse Plemons, Michael Stuhlbarg y Sarah Paulson.

Hugo Acevedo (Publicada en Revista Onda Digital, 05/02/2018)

“The Cloverfield Paradox” (Andrés Caro Berta)

Un desastre espacial

La verdad es que me llamó la atención este estreno de Netflix, tan anunciado. Hubo dos películas previas (que asumo que no vi), pero todo el tema espacial, ligado a J.J. Abrahams como productor, prometía.

Sin embargo, cuesta mucho terminar de ver este mamarracho espacial que se vale de cientos de ejemplos anteriores, hace un pastiche y genera algo que no veía desde hace mucho tiempo.

Y es la acumulación de los lugares comunes.

Este filme logra que uno como espectador, sepa lo que se viene en la siguiente escena.

Veamos apenas algunos ejemplos: Acá, como hoy los negros no son los primeros en morir en las películas, a quien le toca la primera partida es al ruso, personaje protestón y medio oscuro, a pesar de su color rubio. (Los rusos, hoy tan cuestionados en la política norteamericana)

Otra que marcha es la china, mmmmm, quien además no deja de hablar en su idioma, algo que se contradice con el sentido común de comunicarse en un idioma en común.

Ah, perdón. No les hablé de la historia que se cuenta. Bueno, aquí voy.

Todo es muy desordenado. La vida en la Tierra en el 2028 está a punto de desaparecer por una crisis energética. Todo depende de una estación espacial donde un generador devolvería a nuestro planeta la energía necesaria para nuestra existencia.

Pero, por más que lo intenten, los técnicos de dicha nave, fracasan.
Entonces, de entrada, en un estancamiento de autos, una pareja conformada por la muchacha negra, científica, y su pareja, negro y doctor entablan la primera charla trascendente. Él le dice que se vaya nomás al espacio, aunque pasen más de seis meses sin verse, porque… la Humanidad está primero. Ella se niega (apenas unos segundos) y así, la vemos casi enseguida, junto a un grupo de científicos de varios países luchando en la estación espacial para recuperar lo poco que va quedando.

Y claro, otro lugar común. En el siguiente intento de salvar al mundo (ya van varios) fracasan. Y quedan tres más y nada más. Así, como espectadores ya sabemos que los dos que siguen no van a servir y al final, en el último está la solución…

Como ya el tema de los aliens es muy manido, aparece otro peligro, una mujer que surge de la nada y que es muy misteriosa y que viene a buscar al alemán del equipo porque… en su dimensión él es el malo de la película.

Antes de eso, muere el ruso, les decía. Y ahí sí es la secuencia más parecida a Alien. Desaparecen los bichos (tipo gusanos grandes) de una cubetera, y resulta que, no van a creerlo, están dentro de él, y después de que se le tuerzan los ojos y la piel se le estire, comienza con convulsiones y… no se imaginan lo que sale de su boca, mientras va muriendo… Los gusanos. Todos… Y no aparecen más en la película. ¿Para qué estaban en la nave…? Un misterio que solo los guionistas saben. O no.

Volvamos a la mujer misteriosa. Ella resulta que es de otra dimensión. En ese mundo paralelo, más allá del lío que trae con alemán que acá es bueno pero allá no, le cuenta a la muchacha negra del principio que esta en su mundo es amiga de ella, y que los dos hijos que acá están muertos en un incendio, allá están vivos. Lágrimas, lágrimas… Más lugares comunes que se desatan de ese revelador dato.

Lo que sigue son explosiones misteriosas dentro de la nave, necesidad de reparaciones que se frustran, objetos que vuelan libremente por el espacio, uno que pierde un brazo, y este aparece suelto y camina (como en Los locos Adams) y además es inteligente y hasta les escribe (cuando le alcanzan una lapicera) un mensaje tratando de ayudarlos.

La tontería avanza en The Cloverfield Paradox, con un lugar común atrás del otro.

Ya cerca del final, cuando quedan tres astronautas (ah, porque es necesario que vayan muriendo trágicamente uno a uno) logran en el último intento (¿se acuerdan?) hacer funcionar el aparato que va a salvar a la Tierra, y regresan a nuestro planeta solo dos: el alemán y la negra.

Todo es genial. Aleluya… Pero había que preparar el cierre para que haya una cuarta película… entonces… de la nada, cuando ellos dos están bajando en la cápsula, el esposo de la muchacha se entera que están llegando y grita en el celular que no los dejen aterrizar, que no, que no porque aparece un… Bueno, no se los cuento…

Huya si puede… Y si quiere, vea de nuevo Alien y sus secuelas. Al menos, estaban bien hechas…

La dirección de Julius Onah, yo que sé… El guión de Oren Uziel y Doug Jung es el culpable de todo este desastre espacial.

En el reparto está Chris O’Dowd, un buen comediante irlandés que vimos en la serie The IT Crowd y aquí está totalmente desperdiciado.

El resto… La película… para una tarde aburrida de televisión…

Andrés Caro Berta (Diario Cambio, 10/02/2018)

Ganadores del Critics Choice Awards 2018

El jueves 11 de enero se entregaron los vigesimotercer premios de la crítica cinematográfica de Estados Unidos y Canadá, unidos para estos galardones. He aquí la lista de las películas y programas televisivos premiados.

Cine

MEJOR PELÍCULA

The Shape of Water

MEJOR ACTOR

Gary Oldman (Darkest Hour)

MEJOR ACTRIZ

Frances McDormand (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Sam Rockwell (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Allison Janney (I, Tonya)

MEJOR ACTOR / ACTRIZ JOVEN

Brooklynn Prince (The Florida Project)

MEJOR ELENCO

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

MEJOR DIRECTOR

Guillermo del Toro (The Shape of Water)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Jordan Peele (¡Huye!)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

James Ivory (Llámame por tu nombre)

MEJOR FOTOGRAFÍA

Blade Runner 2049

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

The Shape of Water

MEJOR EDICIÓN

Baby, el aprendíz del crimen & Dunkerque

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Phantom Thread

MEJOR PEINADO Y MAQUILLAJE

Darkest Hour

MEJORES EFECTOS VISUALES

El planeta de los simios: La guerra

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Coco

MEJOR PELÍCULA DE ACCIÓN

La mujer maravilla

MEJOR COMEDIA

The Big Sick

MEJOR ACTOR DE COMEDIA

James Franco (The Disaster Artist: Obra maestra)

MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA

Margot Robbie (I, Tonya)

MEJOR PELÍCULA DE CIENCIA FICCIÓN / HORROR

¡Huye!

MEJOR PELÍCULA EN IDIOMA EXTRANJERO

Aus dem Nichts

MEJOR CANCIÓN

“Remember Me” (Coco)

TELEVISIÓN

MEJOR ACTOR EN SERIE DE COMEDIA

Ted Danson (The Good Place)

MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMÁTICA

Sterling K. Brown (This Is Us)

MEJOR ACTOR EN PELÍCULA O MINISERIE PARA TELEVISIÓN

Ewan McGregor (Fargo)

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DE COMEDIA

Rachel Brosnahan (The Marvelous Mrs. Maisel)

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMÁTICA

Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale)

MEJOR ACTRIZ EN PELÍCULA O MINISERIE PARA TELEVISIÓN

Nicole Kidman (Big Little Lies)

MEJOR SERIE DE COMEDIA

The Marvelous Mrs. Maisel

MEJOR SERIE DRAMÁTICA

The Handmaid’s Tale

MEJOR PELÍCULA O MINISERIE PARA TELEVISIÓN

The Wizard of Lies

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA

Walton Goggins (Vice Principals)

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DRAMÁTICA

David Harbour (Stranger Things)

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN PELÍCULA O MINISERIE PARA TELEVISIÓN

Alexander Skarsgård (Big Little Lies)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA

Mayim Bialik (La teoría del Big Bang)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DRAMÁTICA

Ann Dowd (The Handmaid’s Tale)

MEJOR ACTRIZ EN PELÍCULA O MINISERIE PARA TELEVISIÓN

Laura Dern (Big Little Lies)

MEJOR SERIE ANIMADA

Rick and Morty

MEJOR REALITY O PROGRAMA DE COMPETENCIA

The Voice

MEJOR CONDUCTOR DE REALITY

RuPaul (RuPaul’s Drag Race)

MEJOR REALITY ESTRUCTURADO

Shark Tank

MEJOR PROGRAMA DE ENTREVISTAS

Jimmy Kimmel Live!

MEJOR REALITY NO ESTRUCTURADO

Born This Way

Nominaciones al Oscar 2018

Los premios se entregarán el 4 de marzo. Esta es la lista completa de los nominados:

Mejor Película:

3 anuncios por un crimen (Director: Martin McDonagh, Estados Unidos)

Dunkerque (Christopher Nolan, Inglaterra)

¡Huye! (Jordan Peele, Estados Unidos)

La forma del agua (Guillermo del Toro, Estados Unidos)

Lady Bird (Greta Gerwig, Estados Unidos)

Las horas más oscuras (Joe Wright, Inglaterra)

Llámame por tu nombre (Luca Guadagnino, Italia)

Phantom Thread (Paul Thomas Anderson, Estados Unidos)

The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (Steven Spielberg, Estados Unidos)

Mejor Actor Principal:

Daniel Day Lewis (Phantom Thread)

Daniel Kaluuya (¡Huye!)

Denzel Washington (Roman J. Israel, Esq., Dan Gilroy, Estados Unidos)

Gary Oldman (Las horas más oscuras)

Timothée Chalamet (Llámame por tu nombre)

Mejor Actriz Principal:

Frances McDormand (3 anuncios por un crimen)

Margot Robbie (I, Tonya, Craig Gillespie, Estados Unidos)

Meryl Streep (The Post: Los oscuros secretos del Pentágono)

Sally Hawkings (La forma del agua)

Saorise Ronan (Lady Bird)

Mejor Actriz de Reparto:

Allison Janney (I, Tonya)

Laurie Metcalf (Lady Bird)

Lesley Manville (Phantom Thread)

Mary J. Blige (Mudbound, Dee Rees, Estados Unidos)

Octavia Spencer (La forma del agua)

Mejor actor de reparto:

Christopher Plummer (Todo el dinero del mundo, Ridley Scott, Estados Unidos)

Richard Jenkins (La forma del agua)

Sam Rockwell (3 anuncios por un crimen)

Willem Dafoe (The Florida Project, Sean Baker, Estados Unidos)

Woody Harrelson (3 anuncios por un crimen)

Mejor Dirección:

Christopher Nolan (Dunkerque)

Guillermo del Toro (La forma del agua)

Jordan Peele (¡Huye!)

Paul Thomas Anderson (Phantom Thread)

Mejor fotografía:

Roger A. Deakins (Blade Runner 2049, Denis Villeneuve, Estados Unidos)

Hoyte van Hoytema (Dunkerque)

Rachel Morrison (Mudbound)

Bruno Delbonnel (Las horas más oscuras)

Dan Laussen (La forma del agua)

Mejor documental:

Abacus: Small Enough To Jail (Steve James, Estados Unidos)

De sidste mænd i Aleppo (Firas Fayyad, Steen Johannessen y Hasan Kattan, Dinamarca)

Icaro (Bryan Fogel, Estados Unidos)

Strong Island (Yance Ford, Estados Unidos)

Visages Villages (Agnés Varda y JR, Francia)

Mejor Película Extranjera:

L’insult (Ziad Doueiri, Líbano)

Nelyubov (Andrey Zvyagintsev, Rusia)

Teströl és lélekröl (Ildikó Enyedi, Hungría)

The Square (Ruben Östlund, Suecia)

Una mujer fantástica (Sebastián Lelio, Chile)

Mejor Corto Documental:

Edith+Eddie (Laura Checkoway, Estados Unidos)

Heaven is a Traffic Jam on the 405 (Frank Stiefel, Estados Unidos)

Heroin(e) (Patrick Coker e Isaiah Mackson, Estados Unidos)

Knife Skills (Thomas Lennon, Estados Unidos)

Traffic Stop (Kate Davis, Estados Unidos)

Mejor Canción Original:

Mighty River (Mudbound)

Stand up for something (Marshall, Reginald Hudlin, Estados Unidos)

This is me (El gran showman, Michael Gracey, Estados Unidos)

Remember Me (Coco, Lee Unkrich y Adrian Molina, Estados Unidos)

Mejor Guión Original:

3 anuncios por un crimen (Martin McDonagh)

¡Huye! (Jordan Peele)

La forma del agua (Guillermo del Toro y Vanessa Taylor)

Lady Bird (Greta Gerwig)

The Big Sick (Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani, Michael Showalter, Estados Unidos)

Mejor Guión Adaptado:

Llámame por tu nombre (James Ivory)

Logan (Scott Frank, James Mangold y Michael Green, James Mangold, Estados Unidos)

Molly’s Game (Aaron Sorkin, Aaron Sorkin, Estados Unidos)

Mudbound (Virgil Williams y Dee Rees)

The Disaster Artist: Obra maestra (Scott Neustadter y Michael H. Weber, James Franco, Estados Unidos)

Mejor Diseño de Producción:

Blade Runner 2049 (Dennis Gassner y Alessandra Querzola)

Dunkerque (Nathan Crowley y Gary Fettis)

La Bella y la Bestia (Sarah Greenwood y Katie Spencer, Bill Condon, Estados Unidos)

La forma del agua (Paul Denham Austerberry, Shane Vieau y Jeff Melvin)

Las horas más oscuras (Sarah Greenwood y Katie Spencer)

Mejor Película Animada:

Coco

Olé, el viaje de Ferdinand (Carlos Saldanha, Estados Unidos)

Loving Vincent (Dorota Kobiela y Hugh Welchman, Polonia)

The Breadwinner (Nora Twomey, Irlanda)

Un jefe en pañales (Tom McGrath, Estados Unidos)

Mejor Edición de Sonido:

Baby, el aprendíz del crimen (Edgar Wright, Estados Unidos)

Blade Runner 2049

Dunkerque

La forma del agua

Star Wars: Los últimos Jedi (Rian Johnson, Estados Unidos)

Mejor Banda Sonora:

3 anuncios por un crimen

Dunkerque

La forma del agua

Phantom Thread

Star Wars: Los últimos Jedi

Mejor Cortometraje:

DeKalb Elementary (Reed Van Dyk, Estados Unidos)

My nephew Emmett (Kevin Wilson Jr., Estados Unidos)

The Eleven o’clock (Derin Seale, Australia)

The Silent Child (Chris Overton, Inglaterra)

Watu Wote: All of US (Katja Benrath, Alemania)

Mejor corto animado:

Dear Basketball (Glen Keane, Estados Unidos)

Garden Party (Florian Babikian, Vincent Bayoux, Victor Caire, Théophile Dufresne, Gabriel Grapperon, Lucas Navarro, Francia)

Lou (Dave Mullins, Estados Unidos)

Negative Space (Ru Khuwahata, Max Porter, Francia)

Revolting Rhymes (Jan Lachauer, Jakob Schuh, Bin-Han To, Inglaterra)

Mejor diseño de vestuario:

La bella y la bestia

La forma del agua

Las horas más oscuras

Phantom Thread

Victoria y Abdul (Stephen Frears, Inglaterra)

Mejor mezcla de sonido:

Baby, el aprendíz del crimen

Blade Runner 2049

Dunkerque

La forma del agua

Star Wars: Los últimos Jedi

Mejores efectos visuales:

Blade Runner 2049

El planeta de los simios: La guerra (Matt Reeves, Estados Unidos)

Guardianes de la galaxia Vol. 2 (James Gunn, Estados Unidos)

Kong: La isla calavera (Jordan Vogt-Roberts, Estados Unidos)

Star Wars: Los últimos Jedi

Mejor edición:

3 anuncios por un crimen

Baby, el aprendíz del crimen

I, Tonya

La forma del agua

Maquillaje y peinado:

Extraordinario (Stephen Chbosky, Estados Unidos)

Las horas más oscuras

Victoria y Abdul